HEREDEROS DEL OCASO

Herederos del ocaso.

Teatro Galileo. Sala casi llena. Domingo 11 de diciembre.

Vito Sanz, Juan Vinuesa, Font García.

Últimamente estoy teniendo mucha suerte con los montajes teatrales que estoy yendo a ver, pues sorprendentemente hay una alta media de ellos que me están gustando. Y mucho.

Héroes del ocaso es el que se lleva la palma.  Toma el relevo de una noticia real, (Sydney, año 2000. Tras ganar la medalla de oro, se descubre que el equipo paralímpico español de baloncesto solo cuenta con dos discapacitados reales) y trama la ficción de que en  esa misma competición pero en modalidad deportiva diferente, tenis de mesa, hay otro deportista en la misma situación. 

En este caso hacen del drama una excelente farsa. Convierten la vergüenza de la  corrupción que constantemente y hasta la actualidad azota a nuestro país, en una comedia  perfectamente ejecutada,  políticamente muy incorrecta,  con una brizna de irreverencia, descarada, grotesca, divertida hasta hacer reír sin parar al público. Los tres actores de la obra despliegan en escena unas interpretaciones dignas de premio, mostrando situaciones cada vez más esperpénticas, que en definitiva hacen pasar un rato inolvidable, pese a que no somos conscientes de que realmente lo que estamos viendo es un drama, gracias esa capacidad que tenemos en nuestro país de explotar el humor negro hasta límites insospechados.

Cada uno de los actores se mueve en una diversidad de papeles, con cambios de vestuarios simples y dinámicos, algunos no llegan a ser ni completos,  haciendo fácil lo realmente difícil. La dirección a manos de Chiqui Carabante, es desde mi punto de vista prácticamente perfecta. No se le escapa ni el menor de los detalles. Como a Vito Sanz, Juan Vinuesa, y Font García que están soberbios.

Música y efectos en vivo ejecutados por Pablo Peña, cierran el círculo perfecto de herederos del ocaso.
Álvaro Blázquez

PÁNICO 

Llegamos a la Sala Tarambana , un día lluvioso , con la ilusión de conocer el trabajo de Dani Llul pero sin saber realmente que voy a ver . Dentro, un fondo de tela como de camiseta blanco y tres pies de micro con tres escobillas del water , amenazan risas.
Empieza la función y el grupo PÁNICO nos deleita con un tema vestidos de rockeros, no puede empezar mejor , las primeras carcajadas con la performance musical.
Pánico significa miedo intenso , ese que nos paraliza y viene derivado del Dios Pan, aunque también significa el pan que comemos.  Con todos esos significados juega Dani a través de la obra que trata de tres seres humanos que tienen miedo de que la humanidad se extinga así que deciden entregarse al desenfreno del Dios que les gobierna.
Esta obra teatral , performatica y musical escrita por Dani Llul y además dirigida e interpretada por él me sorprende por su  estilo propio y no puedo evitar acordarme de Sacha Baron Cohen (Borat ).
Lo que hacen en escena éstos tres actores es dinámico , divertido a través de sus múltiples composiciones de personajes histrionicos o más reales. Nos regalan gags de humor absurdo al estilo Monty Python y también inteligente con referencias de biología , mitología ,los orígenes del ser humano ,el cine....etc
A través de sus múltiples apuestas nos habla de la evolución o involución , casi hasta de metafísica y del miedo originado por el hombre desde el principio de los tiempos al dejarse llevar por sus más bajos instintos.
A Dani lo acompañan exitosamente Antonio Nieves y Sonia de Rojas , todos ellos se mimetizan , bailan , interpretan pero sobretodo hacen que nos riamos sin parar.
Llenar el escenario tampoco es nada fácil sin apenas escenografía y especialmente si los ves de cerca, como es el caso porque se ven todos los trucos.
Este es un espectáculo fruto una mente extremadamente creativa que consigue hacer más con menos. Extraordinario.
Salimos de la sala y vamos a felicitar a Dani , que nos comenta que la exposición de fuera tiene algunos cuadros suyos y no puedo evitar pensar que viva el arte , y vivan los artistas españoles y preguntarme cuando empezaremos a valorar el arte en nuestro país porque tenemos artistas como la copa de un pino.
Ah! Apenas había medio lleno en la Sala Tarambana , no comprensible, pero los que estabamos aplaudimos copiosamente y salieron cuatro veces a saludar.  




                                                                                                                                               EDERRA 

                           
                                        NAVIDAD EN CASA DE LOS CUPIELLO






La Navidad acoge esta puesta en escena arriesgada de Aitana Galán en la Sala Princesa del CDN.
Y digo arriesgada porque parece que el ya riesgo de hacer teatro se incrementa siendo mujer y activista, tanto es así, que vemos esta maravillosa propuesta en un sala pequeña para un modesto público mientras que otras propuestas menos emocionantes ocupan la sala grande del María Guerrero.
Dicho esto y acercándonos al 8 de mayo , que parece ser el único momento en el que la mujer trabaja , es homenajeada y existe en el planeta y teniendo en cuenta que hay algunos teatros que empiezan a tomar a la mujer como referencia en sus montajes, vemos la propuesta escénica de la directora y su ayudante Romina R.Medina , que es bastante matriarcal y comprometida con el papel de la mujer en esta familia y su punto de vista.

El equipo se adentra en el lenguaje de La comedia del Arte , satírica y a la vez tremendamente cercana y real, donde nos presenta personajes histriónicos y maravillosamente construidos que conforman juntos el Belén que el padre construye con delicadeza .  Una Navidad cercana con los típicos conflictos de una familia cualquiera, en este caso los Cupiello.
Es ese humor negro y la cercanía con que lo presentan lo que hace que la comedia se vaya apoderando de nosotros entre lo dramático, lo épico y el mensaje se va colando lentamente hasta sumergirnos de lleno en el contenido de esta maravillosa familia.
El elenco está extraordinario , y eso que asistí al primero de los ensayos con público y el ritmo era ya asombroso , me los imagino ahora.
Aitana rescata el texto de Eduardo de Filippo versionándolo junto a Jesús Gómez GÜtierrez para comprometerse y hablar del tema de los deshaucios, y construye su estética austera y su propia versión de los personajes donde destacamos el trabajo de Fernando Sansegundo que brilla, Gloria Albalate , Mariano Rochman y Rosa Savoini aunque en realidad es un trabajo coral.
Los poquitos afortunados y privilegiados de estar allí reimos durante toda la función y aplaudimos sin duda al terminar el ensayo.  




                                                                                                                        EDERRA 

 LA COCINA      

Por suerte o por desgracia la hostelería es un tema que conozco de cerca. Por suerte, porque gracias a tener una madre amante de la cocina y que se dedicaba al negocio he desarrollado todos los sentidos que en ella se despiertan y que están perfectamente retratados en ésta puesta en escena.
Por desgracia, porque durante casi más de veinte años he estado lejos de mi madre porque la hostelería no perdona en días , ni horas. En la cocina no se para , ni de día ni de noche. Eso es lo que pienso que Sergio Peris Mencheta ha querido transmitir , a través del texto de Arnold Wesker ,con ésta casi coreografía culinaria de 26 personajes , tarea nada fácil.
La cocina habla de un restaurante liderado por un avaro italiano para el que nunca el esfuerzo de sus trabajadores es suficiente en el Londres de 1955 tras la Segunda Guerra Mundial.
El trabajo es absolutamente coral y no hay ni un solo actor que destaque por encima de otro y ésto es un síntoma de remar juntos en la misma dirección. Ya sólo ésta peripecia me parece compleja.
Sorprendente también el trabajo de acentos , lo sensorial que recrea al lenguaje de hostelería , la naturalidad con la que sale el texto en cada situación , la corporeidad y lo relajados que están los actores ,  y en general, como está retratada la sociedad de después de la guerra con sus luces y sus sombras, su multiplicidad de nacionalidades, sus personalidades , caracteres, sus conflictos en el amor , sus sueños...etc
Si tienes la oportunidad de seguir algún pequeño foco de conflicto de a dos está muy bien trabajado, ahora bien, no puedo evitar hablar , y quizá sea porque estaba algo lejos de esa impresionante escenografía, que entre tantos focos dramáticos, situaciones, ruidos ,acciones etc  se dificulta la escucha, por tanto se diluye el argumento y no se comprende que es lo que quiere transmitir el director a través de la obra . Creo que ésto deja al público un poco a medio camino y nos cuesta empatizar con la situación dramática. Finalmente el público aplaude armoniosamente pero no se levanta de sus asientos.

                                                                                                                                           EDERRA 

INCENDIOS

¿Qué diferencia el buen teatro del que no lo es?
Para mi la gran diferencia es que de una buena obra de teatro sales realizandote preguntas porque ha removido en algún recóndito lugar  tu vida.
Ésta experiencia de ver Incendios , ya era emocionante porque iba a ser la primera vez que veía a Nuria Espert en escena aunque, cuando entras a ver la obra no te imaginas la historia que se va a desencadenar alrededor.
Incendios una historia real creada por su autor Wajdi Mouawad y que ha sido llevada a escena múltiples veces y también a la gran pantalla. El talento indudable de éste maravilloso dramaturgo hace que brille el trabajo del director y actores de éste reparto.
Incendios , escrita tras la necesidad imperiosa de su autor de hablar , contar la realidad que como siempre supera a la ficción.
Incendios habla de la historia de una familia o de una " no familia " y de los lazos que a su pesar les unen . Las tragedias que ocurren cuando crecemos lejos del amor , de una madre , de nuestros hijos y a lo que puede llegar el ser humano cuando se siente "dividido".
Y , en éste punto se me viene a la cabeza una pregunta: ¿Por qué el heteropatriarcado quiere seguir fomentando división y guerras?
Surgirian mil respuestas , la primera que me llega sin dudar es que el amor es unión y con o sin él es que tomas las grandes decisiones de tu vida , y éstas normalmente afectan a todos los demás porque crecemos en interacción.
El trabajo actoral es coral , quizá algo más flojo o comedido en la primera parte supongo para que el público vaya entrando poco a poco en el drama que va a desencadenarse.
Destacando por supuesto el delicado trabajo de Nuria Espert que con sus personajes consigue desencadenar el incendio y a la vez apagarlo , siempre con preciosas palabras que se extienden como cucarachas o mariposas en su boca. Pero si hay algo más importante que las palabras en ésta obra son los silencios. ¿Qué puede hacer que una persona calle durante cinco años?

Me gustaría también destacar el trabajo de Alex García que hasta ahora sólo había podido ver en el cine , y que no decepciona entrando en un lenguaje diferente como es el teatral.
La obra va in crescendo en dramatismo acompañado por la dirección acertada de Mario Gas  que nos lleva a celebrar la lluvia de aplausos , la sala llena de público que  no se plantea si levantarse o no , se levanta en un sobresalto como ocurre cuando el buen teatro te ha removido el alma.
Al salir llueve sobre el público al igual que al final de la obra sobre los actores , llueve para todos.

Por suerte habrá una reposición en La abadía en los próximos meses.  

                                                                                                                                                 EDERRA

EL PADRE

EL PADRE
Teatro Bellas Artes, sábado 26 de noviembre 2016. Entradas agotadas.
Dirección José Carlos Plaza.

Cuando, paseando por la Latina hace unos tres meses, me acerqué a ver cuál era la programación de Pentación para este trimestre,  y vi en el cartel de “El Padre” a mi querida amiga Zaira Montes, me dije: “tengo que ir a verla en cuanto vengan a Madrid.”

Desde entonces he seguido un poco de soslayo por redes sociales la trayectoria por Barcelona de la misma: un éxito fulminante con todas las entradas agotadas. Y ayer, por fin, pude hacer realidad mi deseo. Zaira, modesta siempre, me advertía, “hago un papel pequeñito.” Para nada. La más joven del elenco puede estar orgullosa de su interpretación, y ya se le aprecia un futuro enorme dentro de esta profesión. Por fin una actriz joven y bella (por fuera y por dentro) interpreta como es debido, por algo José Carlos Plaza la ha dirigido ya, contando ésta si no recuerdo mal, en cuatro ocasiones.

Y también hay en la obra otros actores. Un tal Héctor Alterio, es el que más me llamó la atención. Me pareció completamente injusto que este señor, bueno este caballero del escenario, estuviera representando esta obra. Porque da la sensación de que su clarividencia a la hora de actuar, su oficio, su magnífica prestancia, su genial uso del movimiento, de las palabras, (y me quedo muy corto en alabanzas), eclipsa a los demás. El elenco, maravilloso, con una Ana, cuyo apellido ya insinúa que “lo borda”, tiene momentos magníficos. Todos en general afrontan el reto de actuar con este grande que es Héctor, y lo superan con creces.

Son pocas las veces que un espectáculo “made in Madrid”, me deja boquiabierto. Diría como suele escucharse por ahí, que “una o ninguna.” Como también son pocas las veces que un espectáculo merece de veras el llenazo que tiene con el cartel de “entradas agotadas”.  Lo que presencié anoche no fue un espectáculo cualquiera: fue una lección de interpretación que no olvidaré jamás. Y diría también que de dirección.  Eso sí, se me quedaron cortos los aplausos; ¡qué parco es, a veces el público madrileño en esto! Yo aun seguiría aplaudiendo si pudiera.

Álvaro Blázquez.

ESCUADRA HACIA LA MUERTE

ESCUADRA HACIA LA MUERTE
22 de noviembre. María Guerrero. Inexplicablemente, lleno hasta la bandera.

Escuadra hacia la muerte posee una bella y funcional escenografía, sobre la que periódicamente se proyectan ciertas imágenes, con una acertadísima iluminación al servicio de la misma.
Y...

Bueno...

Esto...


He hablado ya de la escenografía, ¿verdad?

Álvaro Blázquez.

MIGUEL MOLINA AL DESNUDO.

MIGUEL MOLINA AL DESNUDO,

Sábado 19 de noviembre. 20:00

Rialto, Sala algo  más de la mitad.

Que un sábado por la noche el Rialto no estuviera lleno para ver a Ángel Ruíz en el espectáculo Miguel Molina al Desnudo, no lo explica ni el hipotético hecho de que hubiéramos vuelto a ser finalistas en el mundial de fútbol esa noche. No. Solo lo puede explicar que en Madrid existan 200 salas y que el público ande realmente despistado con la oferta de la cartelera.

Tuve el privilegio de ver la versión anterior de  Miguel Molina al desnudo de Ángel Ruíz, en la feria de teatro de Palma del Río del año 2015. Y digo privilegio, porque así puedo comparar con éste. Antes de ir a ver a Ángel, acabábamos de salir de ver un monólogo cuyo nombre ni recuerdo, y mi compañera me había comentado, “ha sido fantástico” Yo que me había removido en la silla durante hora y media y había desconectado por completo, le dije. “¿fantástico¿ Ahora cuando veamos el de Ángel Ruíz, vas a saber lo que es bueno.” Cuando terminó Miguel Molina al Desnudo, mi compañera se volvió hacia mi y me dijo: “Es que Ángel está a otro nivel” Y yo le contesté: “No. Ángel no está a otro nivel. Está al nivel al que hay que estar, son los demás los que no están al nivel.” El propio Miguel Molina lo dice en su espectáculo a través de la voz de Ángel, algo parecido a “Subirse a un escenario es una responsabilidad”, y les aseguro que actualmente, muchos lo toman como un divertimento, y así le va al teatro madrileño últimamente. 

Desde julio de 2015, ha llovido. Y el espectáculo se ha reformado. Para mejor. Para mucho mejor, diría yo. Se ha quitado de en medio ese infame “documental” que estaba ahí solo para lucimiento de uno de sus productores, y solo quedan con él César Belda, un piano, y un pequeñito baúl. Y eso basta.

Ángel Ruíz, no es alto, tampoco bajo, pero en el escenario y fuera del escenario siempre es enorme, y en todo lo que haga: lo acabamos de ver encabezando magníficamente el reparto de “la venganza de don Mendo”, lo vimos en televisión interpretando al mejor Lorca que se ha visto en pantalla nunca;  es un actor y un cantante por los cuatro costados y lo mejor de todo es que aun nos queda Ángel para rato.

 Anoche presenciamos el espectaculazo de un Miguel Molina que ha superado a la muerte y viene a abrir su corazón a la gente, para que se sepa su verdadera historia, y no la que contaban los periódicos sensacionalistas de su época: para desnudarse ante el público. Miguel (Ángel) nos hizo reír, nos hizo llorar, nos abrió los ojos a un mundo que no vivimos, pero que forma parte de nuestra dolorosa historia. Nos emocionó, y nos levantó del asiento en un aplauso unánime. Y queríamos más. Siempre que veo a Ángel Ruíz sobre un escenario me quedo con ganas de más, y les aseguro que me pasa con poquísimos actores de la cartelera madrileña; no me ocurre (en muchos casos no me ocurre en absoluto)  incluso con aquéllos que son venerados por la mayoría del público. No: no todo el mundo tiene el talento para hacer disfrutar de este modo, pero no es una cuestión solo de talento y de trabajo duro: es una cuestión de darse cuenta de hasta dónde puede uno llegar. Es una cuestión de responsabilidad y de respeto al escenario. Pero al menos tenemos actores como Ángel Ruíz. Y eso es un gran consuelo.

Álvaro Blázquez. 

Hilos. Larous. sábado 12 de noviembre.

Hilos
Compañía Larous        www.larousteatro.es
Casa de la Cultura de Pulianas, (Granada))

Avalada por dos de los principales premios del Festival de Fetén, (dramaturgia e 

interpretación femenina) “Hilos” es una obra para público infantil que disfruta el público de todas las edades. Es la historia de una madre, no una madre cualquiera sino una que “no podía tener hijos” y tuvo 14. La madre de la protagonista, Rosa Díaz. ·

“Venimos al mundo unidos por el cordón umbilical que nos entrelaza de una manera única a nuestra madre. Pero, ¿qué pasa luego con ese hilo? El cordón se corta al nacer, pero el vínculo que se crea entre ambas parte, como un hilo invisible, permanece vivo” 

Contada con la elegancia a la que nos tiene acostumbrados Rosa, (Larous), llena de magia, pero de magia de verdad, asesorada por uno de los mejores magos de la actualidad, Miguel Puga, el “Mago Migue”, la acompañamos por la historia de Adolfina, que comienza en 1926, y nos enseña retazos de su vida,  de los hilos que fue dejando recogiendo, cortando, creando…

Música, efectos de sonido, proyecciones, fotografías… Todo encaja a la perfección en un espectáculo de un poquito más de una hora en el que la mayoría de los espectadores no mayores de 12 años, permanecen en un absoluto silencio envueltos por la cálida estructura de una historia hecha de hilos pero también de un enorme amor, que a algunos nos llena los ojos de lágrimas, al recordar a nuestros mayores, ya ausentes. una historia contada con delicadeza y amor, amor por los seres queridos, por una profesión que sin duda está en unos momentos muy difíciles, pero contada con un optimismo contagioso;  y sin duda de lo mejor que han visto estos ojos sobre los escenarios en este último año.

Rosa al final nos da las gracias y nos recuerda, como siempre, que en cada uno de sus espectáculos siempre hay un libro en la puerta del teatro: para que podamos dejar nuestros comentarios. Y luego se baja y habla. Habla con niños y con adultos. Uno de estos niños se acerca con una sonrisa enorme y le dice: “he visto tres obras tuyas, y las tres me han encantado” Y entonces, quien sonríe y se llena de gozo como una niña, es ella. Gracias Rosa.

BURUNDANGA, Teatro Lara

BURUNDANGA,

Lara, Martes 8 de noviembre 2016

Sala llena.

El lleno de la sala principal del teatro Lara, asegura que Burundanga, tras seis temporadas, no ha dejado de ser un éxito. Dentro de la “multiprogramación” de dicho teatro, es casi la que más días de representación tiene.

Ya la había visto en el año 2014, por lo que repetía. Las comparaciones son odiosas. Y créanme estas lo fueron. Del elenco de 2014 ningún actor había. Eloy Arenas era sustituido en esta ocasión por Iñaki Guevara, dándole al papel un nuevo contraste comparado con los actores más jóvenes. En todo momento correcto, sin aspavientos excesivos y controlando la comedia con algún que otro tropezón, apenas perceptible.

Los cuatro actores más jóvenes del elenco con bastantes altibajos. Esto se explica tal vez, porque la obra en la actualidad tiene tres elencos diferentes, y se nota. En este caso, por ejemplo presencié la primera función de Ruth Núñez, aquella inolvidable “Bety la fea” que para nada queda encasillada en aquél papel. Ruth, tiene momentos brillantes y algún fallo de texto que hace reír a alguno de sus compañeros en escena, (cosas que el público en general no percibe)  salvada la situación por los compañeros más veteranos en la función. Pero quizá falta un poco más de engarce entre todos ellos. Tal vez un problema de dirección más que de los propios elencos. Un repaso al ritmo no estaría nada mal y beneficiaría más si cabe a la función.

Pese a estos “trastabilleos” la obra gusta y mucho, obviamente porque el texto es brillante, lleno de momentos que los actores saben aprovechar para le lucimiento propio y de sus compañeros.
Álvaro Blázquez

Sole Sola, Sala Off Lara. 9 noviembre

SOLE SOLA

Lara, Miércoles de Noviembre 2016.

Sala llena.

Voy el miércoles a ver Sole Sola, animado por la buena crítica obtenida por la obra el pasado verano. Además es una reposición, por tanto no dudo de que la obra tiene que estar bien.

La actriz, pese a que esta noche se encuentra enferma, está espectacular. Un monólogo siempre es difícil de enfrentar. La actriz Úrsula Gutierrez viaja por acentos, estados de ánimo, relaciones con su familia, relaciones por las redes sociales de un modo impecable. Interpreta, canta, y se desenvuelve con gran naturalidad por todas y cada una de las emociones que, el personaje que parece hecho a medida de la actriz, va pasando a lo largo de la hora y cuarto que dura el espectáculo.

Un tema un poco manido: lo mal que lo pasan los actores para sobrevivir, es parte del trasfondo de la trama. Un tema que cansa un poco, la verdad, por la cantidad de veces que se repite en las tablas madrileñas, es lo único negativo que pudiera poseer esta “tragicomedia”, pues es un claro ejemplo de que el drama y la comedia van de la mano, separados por un hilo finísimo que Sole (Úrsula) sabe coser con maestría. No vas al supermercado en ningún momento, (vamos, que no se te va la mente hacia lo que tienes que comprar al día siguiente) como a veces ocurre con ciertos monólogos, no: Úrsula no te da descanso, baja el ritmo, lo sube, lo hace trepidante, para no dejarte ni respirar… En suma una obra entretenida.

Álvaro Blázquez.

LO QUE NO TE DIGO

          Lo que no te digo es un alegato al uso del lenguaje hoy en día , a  lo que debería ser la buena comunicación , a las palabras dichas con y desde el corazón , esas que pese a todo están lanzadas con respeto al ser humano que tienes en frente, tu espejo.

María Casas ( Nur Levi ) , comienza el monólogo narrando al público como si fuera su alumnado asistiendo a una clase o conferencia e implicandolo , tal como se hace en el teatro épico, para que más tarde se identifique con su personaje como sucede en el teatro dramático.
El  personaje de éste monólogo se ve inmerso en una espiral de palabras al tiempo que hace una tésis sobre " el lenguaje y sus perversiones" . Esa espiral forma parte de su vida y las palabras son un punto de partida para cuestionarsela.  Es a través de ellas que se permite revisar su relación con su marido, con el sistema , con la religión y el papel de la  mujer , que debe callar lo que piensa y siente en una sociedad que no la escucha y a la que le cuesta hablar de sus sentimientos, tanto que el personaje se plantea dejar de hablar.

Nos invita a reflexionar sobre los sentimientos que ocultamos con palabras que en realidad no sentimos, sobre las mentiras que nos permitimos y permitimos a los demás , sobre los filtros que ponemos y como somos manipulados sutil y no tan sutilmente por los medios de comunicación, la religión  haciendonos entrar en esa espiral de la que no podemos salir y que borra nuestras palabras y nuestro espacio, hasta dejarnos mud@s.

"Necesitamos volver a amar a las palabras, o a las personas" , "Cada uno escucha lo que quiere o lo que puede " sabias frases ,  forman parte del monólogo que ha escrito ella misma con ayuda de su hermano Juan Diego Botto .
Al usar el teléfono como medio para expresarse no puedo evitar acordarme de  " La voz humana" de Jean Cocteau.
Creo que es el trabajo más sincero y honesto de cuantos he visto a Nur , en él se expone y muestra vulnerable , con una dicción y verdad extraordinaria. Quizá, por aportar algo, echo de menos algún gesto que ayude a diferenciar más el personaje de la actriz.
"Lo que no te digo"  parte de una idea para la película " Hablar " de Joaquin Oristrel y de su necesidad por contar algo, que afortunadamente para todos, no terminó en la película.
Nur además compone la letra y pone voz a dos canciones creadas para el espectáculo  y con música de Alejandro Pelayo.
La dirección queda también en casa y corre a cargo de Cristina Rota que siempre consigue que las obras que dirige tengan una verdad y organicidad asombrosa.  Es ella misma quien tuvo la idea de la estética escenografía en tonos pastel y sepia, realizada delicadamente por Roberto del Campo , que nos evoca  la casa de María y que también podría ser un creativo y antiguo estudio de fotografía, esta vez  lleno de lámparas, hechas con materiales reciclados , y que van iluminando nuestras preguntas a la par que las del personaje.
El público aplaude copiosamente y sin resistirse al debate que genera éste monólogo que irremediablemente, si tienes sensibilidad, debe transformar en algo tu día a día.


                                                                                                                                               EDERRA 

En la Sala del Mirador , viernes y sábados a las 20h hasta el 12 noviembre.



   
 

SOLE SOLA REGRESA AL TEATRO LARA

Sole Sola es un grito al derecho de ser libre en una sociedad que no lo es y busca la felicidad fuera cazando pokemones.

Una actriz frustrada, que elige las redes como medio de vida para seguir siendo independiente y no tener que volver a casa de sus padres en su Córdoba natal, convive en casa como huésped de una afamada actriz, que le hace de espejo y le refleja sus luces y sus sombras.

Las redes sociales son su escape y también su prisión.  A través de ella reconocemos la dualidad  del ser humano y todos esos momentos grandiosamente creados en los que salta nuestro piloto automático.

La directora Natalia Mateo guía sabiamente, a través del magnífico texto de Carlos Crespo, por un mar de olas de emociones encontradas a Ursúla Gutierrez , que despunta con un sentido del humor a veces histriónico, otras naturalista y nos hace viajar por su historia como lo hacemos en la propia vida.

Escenografía artesanal vintage muy resultona y puesta en escena con acciones claras y que hacen que el espectador haga su propio viaje a través del personaje y por momentos se desternille de risa.

La sala off del Lara llena aplaude al unísono hasta que Úrsula saluda cuatro veces con sonrisa abierta.

Una buena propuesta para reflexionar sobre nuestro día a día en las redes sociales y que vuelve al teatro Lara en otoño.     

                                                                                                                                            Ederra 

Lo rural es existencial

 La grieta entre animales salvajes, Gracia
 Morales y Juan Alberto Salvatierra
Teatro del Barrio, 24 de septiembre 2016


“De noche en la naturaleza dependemos de la luz interior de los coches”

Caminado deprisa hacia el teatro, atravieso las terracitas que celebran la sociabilidad, la amistad, los encuentros, todo lo que nos reconforta como seres humanos. Acompañada por esa algarabía lavapiesera, una no se imagina que unos minutos más tarde, cuando comience la función en el Teatro del Barrio va a adentrarse por una grieta que pone en cuestión tanta despreocupada alegría.

La grieta es un espectáculo que nació como serie para internet. El éxito de la entrega por capítulos animó a sus creadores Gracia Morales y Juan Alberto Salvatierra, integrantes de la compañía granadina Remiendo Teatro a ponerla sobre las tablas acompañados por el mismo equipo artístico. En esta entrega de carne y hueso los personajes pasarán un fin de semana en plena naturaleza. La acción se desarrollará en un contexto de parecidas dimensiones claustrofóbicas al de la versión en serie: una casa rural. Para la secuela teatrera han renombrado el montaje La grieta entre animales salvajes.

Nico, Lucía y Tomás son tres amigos que deciden pasar un fin de semana en el campo. Están decididos a disfrutar hasta la hora máxima de salida del domingo de esa promesa de naturaleza confortable que seduce desde los portales de alojamientos rurales. La promesa se cumple, al menos aparentemente: piscina, chimenea, montañas. No falta ningún elemento… bueno sí, un libro olvidado en la ciudad sobre el que estaban volcadas parte de las expectativas de gozo del fin de semana y que se convierte en un  absurdo detonante, en la palanca que agranda la grieta. La amenaza de lo salvaje acecha por fuera y va despertando también en el interior de la casa y en el corazón de sus eventuales moradores.

Gracias a una original estructura dramática el hilo narrativo va siendo interrumpido en momentos puntuales para mostrar un juego de alternativas a la acción que aportan una dimensión múltiple a cada escena. Tipo matrioska, cada escena lleva oculta una sorpresa sobre la que surge una reflexión inmediata en la mente del espectador.

La dirección del montaje queda a cargo de Julio Fraga, responsable también de la dirección en la versión webserie, que consigue crear un permanente clima de tensión. Se proporcionan en su justa medida la sorpresa, las pausas y los cambios de ritmo. Todo un logro crear este ambiente que se presenta a ratos terrorífico, un efecto que difícilmente se consigue en el teatro. El pálpito a ritmo de thriller hace que el interés no decaiga en ningún momento.

Los actores defienden con solvencia unos personajes arquetípicos que están absolutamente al servicio de la historia. Su perfil psicológico solo está ligeramente esbozado, tanto que a ratos parece que pudieran intercambiarse entre sí. Quedan al cargo de hacer cotidianos unos diálogos que dejan entrever a la bestia que se revuelve por debajo de las frases hechas, las insinuaciones o los reproches que se permiten en las procelosas aguas de la confianza. Se trata de texto preciso, sin florituras y plagado de reflexiones éticas y morales que quizá debiera pausarse algo más, ya que a veces queda farfullado e ininteligible por el ritmo vertiginoso de la escena y que una quisiera haber oído bien para ponérselo en la bio del Twitter.

El tiempo corre desde la butaca como si se hubiera arrugado, de modo que el final resulta algo atropellado y exigente con el espectador. Mientras aplaudo mi mente se resiste a creer que la función haya terminado. Solo la sonriente cara de satisfacción de los actores en las que se refleja la perplejidad del público va haciendo que poco a poco los ojos despierten a la realidad  reconfortados al pensar que tras la puerta solo acecha... la ciudad.

 A pesar del rápido desenlace ha dado tiempo a degustar la cata de genoma del comportamiento humano que nos ha presentado esta arriesgada compañía de la que me pongo automáticamente en seguimiento para no faltar cuando paseen sus dilemas existenciales por los madriles de nuevo.

Luisa CIB

LA GRIETA ENTRE ANIMALES SALVAJES.

Teatro del Barrio, viernes 23 de septiembre.

¾ de sala.

http://www.remiendoteatro.com/teatro_laGrieta/

Tres amigos urbanitas llegan a una casa rural perdida en medio de las montañas y el bosque, a pasar el mejor fin de semana de su vida.

Este podría ser el inicio de La grieta entre animales salvajes, y aunque teatralmente lo es en esencia no es del todo cierto, pues este proyecto se inició hace ya dos años como web serie. Escrita por la dramaturga Gracia Morales, cuyos textos han sido estrenados en más de 15 países, y por Juan Alberto Salvatierra, director y dramaturgo algecireño, está intepretada por Piñaki Gómez, Antonio Leyva, y Larisa Ramos, todos premiados en diversas ocasiones, en los Max, como parte integrante de la compañía andaluza Laví e Bel.

El éxito obtenido por la serie web, que recibió varios premios internacionales, es lo que ha dado como resultado que el equipo al completo se animara para hacer un espectáculo teatral que recoge toda la esencia de su predecesora, pero que a la vez se contempla como algo completamente independiente.

Tres amigos y una casa rural con instrucciones y advertencias. Tres actores granadinos que llegan de visita al teatro del Barrio y dan una lección magistral de interpretación ejecutando un trabajo preciso y soberbio, con ritmos acelerados por momentos y lentos otros, y con una música y sonido que entran en el juego de magnífica precisión, perfectamente dirigido por Julio Fraga y Noelia Rosa en la ayudantía.

¿Qué muestra la grieta entre animales salvajes? Cosas como eso que alguna vez hemos pensado: "¿Qué hubiera ocurrido si en vez de mirar a la izquierda, hubiera mirado a la derecha; si en vez de cruzar la calle, hubiera seguido recto?" Todo ello a través de tres personajes, que esconden, acechan, chantajean, aman, muestran en definitiva,  las pasiones humanas, hasta dónde puede llegar una persona para conseguir lo que desea, o lo vil que puede legar a ser ese “amigo” que tienes al lado y a quien creías conocer, los límites del dar a cambio del recibir...  Insertado en una escenografía que, al punto, se muestra como tranquila y escalofriante al mismo tiempo. Las normas no existen este fin de semana que entra en un extraño juego de reiniciación constante, que siempre lleva a un fin... ¿mejor?

 La grieta entre animales salvajes es un ejemplo de teatro, del excelente teatro con manufactura andaluza que de vez en cuando viene a visitarnos a Madrid para dejarnos boquiabiertos, y que, incomprensiblemente,  nadie se decide a programar con continuidad.

Álvaro B.

Un maravilloso Punto de Partida

Como Punto de Partida elegir homenajear a la más grande, por el décimo aniversario de su muerte , es de titanes. Aún recuerdo cuando siendo niña mi tío me ponía sus éxitos una y otra vez . Rocío , era una de éstas artistas que arañaba el alma , ella jamás pasaba desapercibida.
Un sábado cualquiera, el público entra a la maravillosa carpa del Teatro Principe Pio, el escenario y la pasarela vacíos, no imagina lo que va a suceder, como podía ocurrir antes de que saliera Rocío a escena.
En éste caso, es Inés León la que homenajea a la chipionera caracterizada como Candela , una fan acérrima. Ella nos cuenta su historia entrelazada con la de Rocío, sus gustos , sus miedos y su pasión por la gran diva.
Al igual que Rocío, Inés llena el escenario cantando los éxitos de Manuel Alejandro , haciéndolos suyos sin necesidad de imitaciones, dejando patente su profundo respeto por la artista  y consiguiendo emocionar a un público entregado que tararea sin parar .
Suenan Como una ola, Señora, Punto de Partida y sus mayores éxitos recordandonos el torrente de energía y voz que fué Rocío en el escenario.
Tavi García dramaturgo y director nos hace navegar poco a poco por la historia,  así conseguimos humanizar a la artista y acercarla más al público conectando con la ternura y sencillez de Candela, que se muestra en escena casi desnuda.
La escenografía de Teresa Jimenez Silva acompaña a un vestuario sencillo que mejora cuando sube la marea al final del espectáculo. Como anécdota decir que Pepe Beato, diseñador de vestuario de Rocío,  diseña también el traje que Inés luce resplandeciente al final del espectáculo.
La sala casi llena rompe en copiosos aplausos y reclama un bis, como si de un concierto de la artista que vendió 25 millones de discos se tratara.
Reto superado , y con  creces.
                   
                                                                                                                                              Ederra.

El perro del Hortelano (Off Teatro Lara)

Domingo 15:15

Lleno. 

Se está poniendo de moda en las salas off que los actores al final de la función, digan la siguiente frase: “Si les ha gustado la obra, recomiéndenla a sus amigos. Si no les ha gustado, recomiéndenla a sus enemigos”. El perro del hortelano es uno de esos casos. En este caso dicha recomendación ha debido funcionar, porque la sala off del teatro Lara estaba hasta la bandera, pero al acabar la representación mi duda era clara: no tenía ni idea de a quién debía recomendársela.

Poner en pie una obra es un trabajo arduo. Lo sé porque soy actor y sé como funciona el tema. Más en Madrid. Pero es que además, soy director y el trabajo de un director triplica con creces el de un actor. Poner una obra clásica española en pié es una auténtica pesadilla. Una valentía que admiro, más en un panorama teatral madrileño, en el que las compañías de la tierra parecen dar más relevancia a clásicos extranjeros; y eso que hemos tenido todo un siglo de oro en la literatura española. Hay que dignificar el teatro clásico español, por eso cuando el director de la obra es nada más y nada menos que Pablo Gómez Pando (el único actor que me ha dejado con la boca abierta con su interpretación del Hamlet del Teatro Clásico de Sevilla en el Fernán Gómez esta misma temporada) va uno al teatro aunque sea domingo por la mañana.

Particularmente, sin embargo, no me gustó: pero reconozco que soy muy puñetero cuando de teatro se trata. Y sólo son opiniones. Desde, como digo, mi muy subjetiva opinión (al parecer contraria a la de la mayoría del público, que ríe durante toda la obra, y aplaude a rabiar al final) hay cosas sobre las que seguir trabajando. Por ejemplo la dicción, muy rápida a veces, lo que hace perder parte del maravilloso texto de Lope de Vega, pues el verso debe ir a favor de la obra, y no en su detrimento, máxime cuando las voces de los actores están bien colocadas y son de una bella sonoridad.  

Al acabar la función, comienzan a aparecer los verdaderos acentos de los actores, y descubrimos con asombro que Fran Pineda no es de Madrid, sino que tiene un acento andaluz muy significativo, no sé si Cordobés o Sevillano, pero por ahí debe andar la cosa. Y entonces comprendes que ciertas sinalefas erróneas que se repinten en varias ocasiones durante la obra son mucho más difíciles para una persona que desde nacimiento no ha pronunciado un castellano neutro. No recuerdo el texto,  pero me refiero a los “ma” que deberían haber sonado como un “me a” o “me ha” (masombra por me asombra, por ejemplo)

Del reparto la que mejor utiliza el verso en su favor es sin duda alguna Gema Flores, y son muy bienvenidos los cambios de personaje de Víctor Nanclares.

Uno de los mejores aciertos, es la música en vivo, interpretada además por Susana Sanabria la protagonista de la obra, aunque no comprendí por qué lo hace de espaldas al público; echándose de menos en las cancioncillas que entonan los actores alguna segunda voz.

Como señalo más arriba hay cosas sobre las que seguir trabajando. Estas las diré en particular a su director, si la fortuna hace que nos volvamos a encontrar, y ya saben, es solo una opinión y como dicen por ahí, “sobre gustos, colores”, así que amigos o enemigos, vayan a verla, y fórmense su propia opinión que seguro será mejor que la mía.

Álvaro B.

INCENDIOS

“AL FINAL ARDIÓ LA ABADÍA”

El teatro de la Abadía nos recibe con una mesa y dos sillas que apenas se iluminan, sobre una plataforma inclinada en el centro del escenario,-referente de los escenarios clásicos - dándole profundidad y distintos niveles de visión para el espectador sobre los  interpretes.

Una atmósfera cuidadosamente preparada para lo que nos espera,una pared enorme que servirá de pantalla de proyección,una escenografía minimalista y pulcra.

Por otra parte, el texto de Incendios de Wajdi Mouawad (Líbano,1968) es una obra de arte,capaz,como los mejores textos teatrales de vivir por ella misma,con sólo leer su texto,su cadencia,su ritmo, que va en crescendo a medida que avanza la obra, como pequeña bola de nieve descendiendo colina abajo, cada vez más fuerte.Mérito sin duda del traductor,Eladio de Pablo.

Este encuentro teatral, -que pocas veces se da en la escena actual- me ha dado que pensar en la función del lenguaje, el lenguaje escrito: cuando el actor se aprende el texto, el lenguaje hablado: cuando nos lo cuenta.

Esta unión, estos dos lenguajes juntos   -que son el metatexto de la puesta en escena-  es una herramienta para la interpretación actoral, pero en el caso de Incendios se convierte en algo más, en un personaje que transforma e interactúa con el intérprete,un texto-personaje que afecta a la actriz y al actor,que no volverán a ser los mismos después de pronunciar las palabras de sus personajes.

Llegando a este punto se comprende lo visceral de la interpretaciones - aunque se aprecien diferencias a nivel actoral por parte de los gemelos -que llegan a cumplir, pero subir la energía interna no les vendría mal.

Ramon Barea es sin duda el que sostiene la obra en las tres horas de duración, con una Nuria Espert que da la nota elegante, clásica con su interpretación,en sus posturas casi inmóviles pero que transmite fuerza contenida a punto de estallar, un torbellino enjaulado por dentro, cuando recita frente al jurado,una escena desgarrada por su voz y su mirada - la diana- para citar a Declan Donnellan.

La primera parte de la obra es un poco más floja a nivel actoral y de ritmo,se siente que apenas comienzan a calentar,por momentos la intensidad se hace evidente,pero hay momentos en que se desvanece por completo el nivel de energía,comienzo a ver a los lados y me doy cuenta que el vestuario no acompaña,demasiada limpia y nueva la chaqueta de la herencia que deja la madre a sus gemelos.

Se agradece a una actriz escucharle su voz cantada,que llena el espacio y lo transforma, Lucía Barrado nos lleva por unos instantes mágicos en el inicio de la segunda parte, a uno de los momentos más reales del teatro,tener la capacidad de erizar la piel del espectador.

Una segunda parte mucho más trabajada,con personajes mucho más caracterizados y una evolución de los mismos.Realmente un disfrute en todos sentidos,un verdadero goce para un buen amante del teatro.

Un argumento con final explosivo ,un incendio incontrolable que no puede detener la lluvia que cae sobre los actores y actrices en la última escena,cubiertos por una lona plástica.

La  Abadía está que arde,ese instante antes del primer aplauso,ese silencio tenso que se genera en la sala entre los personajes-actor@s y los espectadores ,una comunión mágica lograda por su director, Mario Gas.

Esos segundos alargados en el tiempo que destilan teatro en esta puro…letanía teatral…cae el primer aplauso como gota de lluvia que se convierte en tormenta en una unánime ovación de pie, pero al final ya es tarde para apagarnos, salimos del teatro todos,incendiados y agradecidos.

Mapa.

poderes exraordinarios

Jueves de Septiembre de 2016 en Azarte.

Cuando vas a una sala pequeña, no sabes, a veces, lo que te vas a encontrar. Yo, para colmo, no soy el típico actor que cuando va al teatro le gusta todo, "porque es que hay que valorar el trabajo que hay detrás". No. Cuando algo me gusta es porque pienso que está bien trabajado. Cuando algo me remueve de aburrimiento en el asiento, no soy capaz de valorar el trabajo, lo siento, soy así de antipático.
Sin embargo acudir al teatro a ver a Laura Río (no "Ríos") es, en mi humilde opinión,  una garantía de que una de las interpretaciones al menos, va a ser impecable. Me equivoqué de pleno: en esta ocasión todos los actores de esta modesta producción del off hacen un trabajo sensacional. #poderes extraños, se reestrenó el ocho de septiembre en la sala Azarte, después de estar en junio en la misma sala  y allí estuvimos.

La dirección de la obra hace que todo esté a mano, cuida todos los detalles, nos ofrece un texto ágil, fresco, en el que los monólogos no pierden el interés del público ni un segundo, en el que se disfruta de la complicidad de los actores, de sus diálogos llenos de ritmo, pero sobre todo sorprende que una obra de esta categoría no haya saltado a escenarios más importantes. Carolina Olmedo, hace un trabajo maravilloso, con una hermosa voz que entona canciones del pasado y provoca más de una carcajada en el público. En definitiva, uno, que a veces al ver grandes producciones pierde completamente la fe en el teatro, con estas pequeñas pero a la vez grandísimas obras, vuelve a recuperarla.

                                                                                                                                       Álvaro B.

Los afanes del desvarío

  Los desvaríos del veraneo, una dramaturgia de la primera de las obras de la trilogía del veraneo escrita por el autor italiano Carlo Goldoni en 1761, se representa en el teatro Infanta Isabel hasta el 18 de septiembre. Una actualización fresca que hace que las dos horas de función se pasen entre risas y aplausos con un equipo de actores que hacen las delicias de la historia. Dos familias vecinas que compiten por estar a la última moda y pasar las vacaciones en el campo, incluso por encima de sus posibilidades en un guiño a lo que podría ser nuestro estado de bienestar.

  El joven director José Gómez-Friha con su compañía Venezia Teatro repone esta obra en la cartelera madrileña, y nos acerca a esta figura teatral tan poco representada en nuestro país. Un Goldoni rabiosamente actual que habla de las envidias y rencillas entre individuos de clase media alta que sólo viven para gastar lo que no tienen, y compararse en sus afanes de ser los mejores en una época de consumo ansioso y desvaríos amorosos.

  Sin duda el plato fuerte de esta propuesta teatral es la dirección de actores. El autor cambia los estereotipos de la comedia del arte por la caracterización más psicológica de los personajes, perfectamente dibujados por el director a través del uso de la palabra y el magistral juego gestual más allá del texto. El autor que da paso a la voz de las mujeres por encima de las imposiciones de la época es defendido por tres actrices que brillan con luz propia, una joven Macarena Sanz que con su peculiar voz, sus manos y su veracidad retratan una caprichosa pero coherente dama que sabe lo que quiere de un hombre y lo que no permite de él; Esther Isla despunta con la evolución de un personaje que llena de matices y defiende con una energía desbordante. Helena Lanza, dulce y juguetona, ofrece una criada que a pesar de tener poco texto, hace las gracias de una pícara clase baja. El reparto lo completan dos veteranos actores, Juanma Navas y Vicente León que ponen sus tablas y su talento a unos personajes contrastados entre sí; un desternillante gorrión con gracioso amaneramiento de la mano de Kevin de la Rosa; tres apariciones comedidas con un guiño al juego pantomímico de la maleta de Iñigo Asiain; un galán protagonista falto de matices por Alejandro Albarracín; y por último las delicias como criado de Andrés Requejo, con una comicidad despuntante y una presencia que sin duda, ameniza la obra.

  La introducción de canciones y apartes hechos con micrófonos en proscenio, junto con la presencia constante de los actores alrededor de la alfombra que hace las veces de espacio escénico, es el acierto de una dirección escénica que sin embargo, pierde en la introducción de morcillas actualizadas que se quedan a medio camino por falta de desarrollo e inmersión en el texto de Goldoni. La escenografía diáfana con la alfombra como eje de juego queda pobre con las cajas del fondo que apenas son utilizadas. La iluminación sencilla y falta también de juego dramático.

  Merece un aparte el acertado vestuario de Sara Roma, en un juego entre la contemporaneidad y el clasicismo de sus atuendos, unificados en la competitividad de las damas con sus faldas de tul de Primark, o vaqueros de diferentes colores para los actores, que contrastan con chaquetas clásicas que se ponen por encima o el ridículo y excéntrico atuendo del amigo gorrión, junto a los cuadros o tirantes de los criados que nos hacen guiños a la cercanía del texto a nuestros días.

  Los que no veraneamos en agosto pudimos disfrutar de una obra que nos traslada al más puro juego italiano de la comedia, y a la reflexión de un querer y no poder junto a la voz femenina que nos recuerda desde el siglo XVIII cómo no aguantar los celos, ya sea de un hombre clásico o de uno más actual.

La Niña Rodríguez